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Le street art, né dans la sauvagerie et l’illégalité dans les années 60, a aujourd’hui pignon sur rue, et la commune du Grand Paris organise désormais des parcours en bateau pour vous le faire admirer. 

Tout le monde est désormais habitué à découvrir un beau matin un dessin, une fresque sur le mur d’un immeuble voisin, sur une porte, sur le sol, bref, n’importe où. Autrefois, les « taggers » devaient se cacher et travailler de nuit pour échapper à la vindicte policière et éviter des amendes trébuchantes !  Considérés comme des voyous défrayant alertement notre environnement, ces artistes « vandals » de la pénombre n’en menaient pas large, d’autant plus que leurs grafittis étaient comme des cris de rage contre la société.  Certains d’entre eux sont pourtant devenus des stars, dont chacun connaît le style, que ce soit entre autres Keith Haring à New York avec ses fameux petits bonshommes réalisés au  pochoir qui envahissaient les murs du métro et de la ville, ou le français Speedy Graphito.

 

De Keith Haring/1989 

Le Street Art est devenu une profession officielle,  sans revendication particulière, que ce soit en France ou dans le monde, largement autorisée par nos édiles municipaux et même acceptée par les plus grands musées. C’est ainsi que la commune du Grand Paris organise chaque été depuis 2016 une sorte de croisière de 2h30, « Le Street Art Avenue Grand Paris » sur le canal Saint Denis qui relie le Stade de France  au parc de la Villette, où chacun peut participer à la découverte d’oeuvres éphémères créées sur des façades, des piliers d’autoroute, des murs, et même sur l’ensemble d’une cimenterie ( redécorée par Guate Mao). 20 artistes ont été ainsi invités à laisser libre cours à leur imagination, comme Telmo Niel, Polar, Alancha Arango, Zest, Swen, Tarek Benaoum, Banksy et Marko 93. Des noms de plus en plus reconnus.

 

Les félins/ fresque du pochoiriste Marko 93

 

25 fresques sont ainsi proposées cette année sur le trajet de l’urban boat qui lève l’ancre chaque jour pendant l’été, jusqu’au 18 août, au bassin de la Maltournée, à Saint Denis, devant le  « 6 B« , atelier de création pour artistes résidents. Un conférencier, JP Mano, spécialiste des cultures urbaines et hip hop, éclaire les croisiéristes  sur la diversité discursive des créateurs , sur leurs instruments de travail, qui au pochoir, certes, mais aussi en bombe aérosol, en peinture acrylique, en collage, avec des affiches, etc…Le tout sur un fond musical plutôt…entraînant, du hip hop, danse de la rue,   considéré comme très lié au street art, de par son inspiration citadine.

 

 

 

En cette période de canicule, n’hésitez pas à embarquer pour cette visite artistique de Paris et à donner votre avis sur l’embellissement ( ou non! ) de notre environnement. N’oubliez pas que l’art est un partage!

 

Grégoire Colard 

 

Jusqu’au 18 août. Embarquement au bassin de la Maltournée, à Saint Denis (RER D ou  tramway)

Prix: 12 euros.

La princesse Hermine de Clermont-Tonnerre a toujours été exposée médiatiquement et mondainement   mais, depuis peu, ce sont ses créations artistiques, picturales et plasticiennes, qui prennent la pose devant l’oeil des collectionneurs…

 

  Hermine de Clermont-Tonnerre avec  son oeuvre, « Le bouc » et devant l’une de ses toiles. 

 

Issue de l’une des plus vieilles familles de France, cette princesse au titre pontifical est depuis toujours  l’une des reines de la jet set française et internationale,  au point de créer dans les années 90 une sorte de cercle de jeunes mondains, le « Club du Tonnerre« , qui réunissait des centaines d’aficionados bien nés,  avides d’être systématiquement invités à des soirées chics et chocs grâce à elle, avec toujours des  bénéfices et des dons  reversés à des associations, à des oeuvres humanitaires, sauvant entre autres nombre d’enfants.  Longtemps journaliste pour Gala et Point de vue, elle a aussi enchaîné quelques tournages de films,  été une styliste-égérie de Dior,  participé plusieurs années au fameux Rallye des Princesses, écrit plusieurs livres sur le thème cher à sa rivale amicale Nadine de Rothschild, à savoir  « comment se tenir en société » et  même participé à l’émission populaire « La Ferme Célébrités! ». Frivole, la princesse ? Non, épicurienne. Et joyeuse. Définitivement. Elle pioche le bonheur là où  il est, et surtout, sa passion, c’est de le transmettre, de le partager, avec ses enfants, son entourage, ses amis, mais aussi  tout ceux qui l’approchent, quand elle ne va pas elle-même au devant de ceux qui souffrent. Et c’est avec le public qu’elle veut aujourd’hui dialoguer avec humour et sérieux, à travers ses oeuvres, dont elle vient d’exposer certaines avec succès au dernier salon de l’Art Contemporain, au Carrousel du Louvre.

« Les vanités du 21 ème siècle » 

 

Son inspiration d’artiste aurait pu puiser dans son goût supposé immodéré pour les mondanités, mais, en fait elle se porte sur  le temps qui passe, sur la nature saccagée par l’homme, sur la temporalité des objets et de l’argent, sur la vanité de la société. Son travail  se définit donc comme conceptuel.

 

« La mer est une poubelle » 

 

Ce qui ne change pas, avec cette princesse créatrice, rock’n roll et incroyablement fantasque, c’est sa dérision  ravageuse, même quand il s’agit d’amour !

 

 

Avant sa toute prochaine exposition,  il est facile d’en savoir plus sur ses oeuvres en consultant son site: princessehermine.com. 

 

Grégoire Colard 

 

Exposition « Fin de chantier »: 30 rue des  Mathurins 75008// 6, 7 et 8 juillet 2018

 

 

Lassaàd Metoui est un artiste peintre calligraphiste dont l’art et la manière s’inscrivent aujourd’hui sur les murs du Prado, du British Museum, de Beaubourg et aujourd’hui sur trois étages de l’Institut du Monde Arabe, avec notamment 135 oeuvres, dont certaines monumentales. Une reconnaissance qui invite à faire sa connaissance …

Initié dès sa prime jeunesse passée à Gabès, en Tunisie, à la calligraphie coranique ancestrale, Lassâd Metoui  a découvert en France, durant son adolescence, la peinture occidentale à travers les oeuvres de Picasso, de Matisse, de Delacroix, de Soulages, de Kandinsky et de Paul Klee.  Il y a retrouvé sa propre générosité naturelle et sa recherche de transmission d’un optimisme  universel. L’écrivain algérien Yasmina Khadra souligne son âme:

« Lassaàd est un généreux, un ermite fraternel, un trappeur de lumières, qui puise dans la pénombre de son atelier les prières d’un monde meilleur, c’est à dire un monde de partage et d’éblouissement. Enfant du Sahara, il porte en lui l’empreinte de l’éternité, le sceau de la sagesse et l’éloge de la charité humaine »

 

Lassaàd Metoui dans son atelier, à Nantes.

En tant que peintre, Lassaàd s’est beaucoup imprégné  des formes géométriques à la fois de Picasso mais aussi des anciens grands mathématiciens anciens, avec leurs dessins proches de la calligraphie, issus de leur culture arabe. Il y ajoute souvent des graphismes floraux avec des ronds de couleurs  le tout suggérant une notion poétique de parfums enivrants.

 

 

Travaillant sur du papier japonais et utilisant des encres asiatiques traditionnelles rares, Lassaàd aime aussi intégrer dans ses tableaux des collages ou des dessins aux motifs coraniques  anciens, tels qu’on peut les trouver sur des céramiques ou dans des tissus arabes traditionnels.

« Amour »: calligraphie classique et collage 

 

Lassaàd Metoui, dont l’écrivain David Foenkinos affirme que « son existence entière semble être une conversation entre le céleste et le terrestre« , et dont Jack Lang salue le talent fougueux, a participé aussi à l’illustration d’une quarantaine d’ouvrages, de Kkalil Gibran, Amélie Nothomb, Alain Rey, etc…  Il se livrera le 19 mai prochain, pendant la Nuit des Musées  à une performance publique au sein de l’Institut du Monde Arabe.

Grégoire Colard 

 

Le pinceau ivre: Lassaàd Metoui, jusqu’au 30 septembre 2018

À l’Institut du Monde Arabe

Autrefois usine à deuil, le 104 est devenu un lieu de vie artistique incontournable au nord de Paris…

Quand on pénètre au 104, situé au 5 rue Curial, dans le 19éme arrondissement de Paris, la désorientation s’empare de votre esprit. Est-ce là une ancienne gare, de vieux entrepôts ou abattoirs ? Alors on visite ces  grands bâtiments en pierre de taille, comprenant en leurs seins des halles aux immenses plafonds élevés, des cours intérieures où le soleil s’alanguit, des coursives étroites où vous poursuivez un labyrinthe énigmatique et de larges plates formes où  s’entraînent à leur gré des musiciens, des mimes, des acrobates,  des danseurs de hip hop ou de salsa.

Tout est là, à votre disposition, si vous voulez vous prélasser sur une chaise longue, boire un verre, déjeuner, rêvasser, lire un livre que vous empruntez en l’échangeant contre l’un des vôtres, ou vous poser au coeur d’un groupe d’artistes. L’espace est  pour eux, pour vous, pour tout le monde. Un air de liberté est là, qui vous apaise et vous inspire.

 

L’une des halles 

 

Autrefois, ce lieu qui s’étend sur 220 m de long et 75 de large était depuis 1874 le siège du Service Municipal des Pompes Funèbres de Paris, connu comme une usine à deuil, avec ses convois, ses cercueils, ses chevaux harnachés de plumes noires, ses écussons, ses linceuls, ses cochers à hauts de forme. Depuis 2014, sous la houlette de la Ville de Paris, deux hommes, Robert Cantarella et Frédéric Isbach, ont fait de ce lieu funèbre un espace dédié à l’inspiration, à la performance, à la recherche artistique, quelle que soit sa forme.

 

Frank Herfort : soldats russes et rêve hawaïen. 

 

C’est ainsi que depuis quelques années s’y tient régulièrement,  au milieu de toute cette agitation créatrice,   « Circulations« , un festival de la jeune photographie européenne. La petite circulation, sans ticket d’entrée, vous permet d’évoluer dans les grands espaces afin d’estimer le travail de ces jeunes artistes, et la grande circulation , avec ticket d’entrée, de pénétrer dans les bâtiments où des centaines d’autres oeuvres sont accrochées.

Certaines sont simplement belles, d’autres étonnantes, voire déconcertantes et décalées,  recherchées, élaborées. Les sujets sont extrêmement divers, qu’ils soient politiques, sociaux, floraux, religieux, sexuels ou simplement esthétiques.  Chacun des  photographes exposés a droit à son propre regard sur le monde, sur son pays, sur sa vie,  qu’il soit personnel, familial, esthète, collégial ou citoyen.

 

Crestani Arthur

À chaque visiteur d’arpenter à sa guise, et de prendre son temps,  de s’arrêter, son bonheur étant alors de se figer devant telle ou telle photo, de noter le nom  de son capteur d’image. Et peut-être d’imaginer de saisir lui-même des clichés différents, improbables.

 

Frank Herfort 

 

Grégoire Colard 

 

Au Centquatre jusqu’au 6 mai. Exposition  » Circulations »

Le 104, 5 rue Curial, Paris 19éme.

 

La tendance naturiste se précisait déjà depuis quelques années à Paris se mettant à nu, mais un nouvel évènement dans un lieu officiel de la République va officialiser cette libération des corps!

De fait, jusqu’ici la France, et notamment Paris, était très en retard sur le naturisme en public, alors qu’en Allemagne, aux Pays Bas, en Autriche, en Espagne et au Québec, pour ne citer que ces pays, il est parfaitement naturel de se montrer en public dans le plus simple appareil, sans déclencher le moindre scandale, ni subir une quelconque agression, qu’elle soit verbale ou physique.

Et pourtant, il existe l’Association des Naturistes de Paris, qui organise des soirées piscine sans maillot, ou encore des réservations  pour des concours de bowling à nu,  comme ce le sera le 3 avril prochain, et même des soirées restaurant sans « couvert »!  L’été dernier, Anne Hidalgo, la maire de Paris, a donné son accord pour ouvrir aux nudistes une très grande zone de liberté dans le Bois de Vincennes, mais aussi pour réserver un espace dans Paris Plages, sur les quais de la Seine, ce qui devrait être renouvelé cet été pour les deux lieux.

 

Un nouveau projet de l’Association des Naturistes de Paris, mais artistique, celui-ci,  a été accepté et soutenu par le Palais de Tokyo, un haut lieu des musées parisiens, pour ouvrir son exposition « Discorde, fille de la nuit »  le 5 mai au matin à cent soixante fesses-à-l’air. Les réservations se sont envolées en quelques minutes, dont en majorité celles de femmes de 18 à 34 ans, alors que plus de vingt-six mille demandes, dont de touristes du monde entier, n’ont pu être  satisfaites. Gageons que d’autres dates seront envisagées… La même expérience avait déjà eu lieu au Québec où une exposition du photographe sulfureux Robert Mapplethorpe avait déchaîné une foule de non-textiles !

Dans ce même esprit, un artiste français, Fred Brulé, se produira le 12 mai,  dans le 19 eme arrondissement,  sur une scène dont le nom est encore secret, afin d’y proposer  « J’ai la langue qui fourche », le 1er spectacle naturiste humoristique, où le vestiaire intégral sera exigé… et les photos  interdites! TapageCulture vous en informera en temps et heure…

 

Grégoire Colard

 

 

Achbé est son nom d’artiste street art. Sa phrase du jour, écrite à la craie chaque matin sur le trottoir en pente d’une rue étroite de Montmartre, exulte un chant d’amour et d’humanisme soutenu par une rage contenue. Une oeuvre picturale? Une pensée philosophique?  Une phrase pamphlet? Un gag éphémère? Une nouvelle forme d’art, en tous cas.

 

 

En juin 2016, son mari est mort foudroyé, sur le trottoir, devant leur maison. Comme tombé du ciel. Alors, Achbé, a pris les initiales de son nom pour en faire son propre patronyme d’artiste, et, un matin, lui a écrit un mot, comme ça, à la craie, sur le goudron.  Et un autre le lendemain, et les autres jours. 315 en tout. C’était pour elle une forme de résilience, mais c’est devenu au fil du temps non seulement comme un dialogue avec son compagnon disparu, mais un échange avec les piétons, les touristes, les voisins, les commerçants du coin,  tous ceux qui passent par là, sans oublier maintenant les photographes et les journalistes qui viennent fouler  son chemin pavé d’amour.

Ce qui intéresse Achbé, c’est de partager comme un acte spontané son impression du jour, son indignation, sa révolte, mais aussi  ce qui la fait sourire « : « Je n’écris jamais rien de personnel, je ne ressens pas le besoin de raconter mon histoire. C’est comme un journal intime, sauf qu’il n’est pas intime et que je le partage avec qui veut.  Je « craie » sur l’actualité, la mort de Johnny, ou celle de France Gall, mais aussi sur les migrants, l’injustice sociale, la condition des femmes, la bêtise humaine, les SDF, ou sur Arthur Rimbaud, Simone Veil, même Macron !   J’adore faire des jeux de mots, des associations d’idées , en français et en anglais. J’imagine des conseils rigolos. Et cela m’amuse de « craier »sur le sol avec l’écriture appliquée d’un enfant. » 

Chaque jour, Achbé prend une photo de sa nouvelle « craiation »,  la poste sur les réseaux sociaux où elle est suivie avec un certain fanatisme dans 56 pays, et est actuellement exposée jusqu’au 23 février par la Galerie Central Dupon, au bas Montmartre. Une nouvelle grande dame de l’art graphique.

 

Grégoire Colard 

Galerie Central Dupon 74 rue Joseph de Maistre Paris ( XVIIIe)

 

César est un artiste sculpteur plasticien français, reconnu dans le monde entier . Il est magnifiquement salué par une immense exposition qui lui est consacrée à Paris, au Centre Pompidou, initiée par le commissaire Bernard Blistène.

Né à Marseille en 1921, César Baldaccini est surtout connu de tous pour sa fameuse statuette remise chaque année à la cérémonie des … »César« ! Quel acteur ne rêve de pas l’accrocher à ses rêves les plus fous?  Elle est le symbole de la réussite, de la reconnaissance de ses pairs et du public.  Il est juste que César, disparu en 1988, soit mis  à son tour sur l’autel  de l’admiration à la fois officielle et publique, grâce aux installations  des oeuvres les plus emblématiques de son talent étonnant dans un gigantesque open space qui déborde à travers les baies vitrées sur Montmartre et les toits de Paris .

 

Le César du cinéma/1975 

 

Sur le sol semblent traîner des coulées irrépressibles de chocolat, de crème, symboles pour l’artiste des débordements de la vie et de la nature. Une direction artistique, qu’il définit comme celle de l’expansion, qui lui est venue quand, jeune homme, il s’est rendu à Pompéï et a été sidéré par les corps à jamais pétrifiés  dans la lave qui avait submergé la ville. La plupart de ces oeuvres  sont réalisées à base de mousse de polyuréthane. Est-ce à dire que César est un artiste « industriel »? En tous cas, c’est un créateur témoin et visionnaire de son temps, qui utilise les matériaux générés et dégénérés par l’homme et les divinise.

 

Quelques expansions

 

Dans une autre partie de cette exposition sont proposées des compressions de carcasses de voitures cabossées, écrasées, qu’on ne cesse de regarder pour certaines non sans regret de ne pas les avoir conduites  quand elles étaient neuves, sublimes et éblouissantes ! Nos désirs les plus fous sont ainsi réduits en tas de tôles alors même qu’ils s’érigent à tout jamais en oeuvres d’art ! C’est la consécration de l’éphémère…

 

La formule 1 Ricard/1962

 

C’est en 1958, à l’âge de 37 ans, que César découvre les presses hydrauliques et compresse sa première voiture, une Dauphine, pour se jeter ensuite sur d’autres engins, comme des formules 1 ou des carrosses de luxe. Ses oeuvres font alors scandale et déclenchent une cabale, qui perdure encore aujourd’hui pour certains, qui n’acceptent pas que l’art sublime des détritus de la consommation. Ce qui est sûr, c’est l’acuité du regard de l’artiste sur notre monde contemporain consumériste.

 

César/1997. Paris, France.Photo Ulf Andersen

 

Un autre corps de cette installation du Centre Pompidou présente un aspect tout aussi connu de César, mais discutable aussi pour beaucoup, celui de son bestiaire et de ses oeuvres en fer. Quand il était encore tout jeune, issu d’une famille aux très modestes moyens, César avait déjà bricolé pour son petit frère des jouets en fer à base de boîtes de conserve. Plus tard, toujours sans le sou, incapable d’acquérir du marbre, c’est tout naturellement qu’il a conçu des oeuvres avec des déchets métalliques.  Et là, dès le départ, le  succès national et international lui a permis d’accéder au vertige de la notoriété et de l’acceptation de son imaginaire.

 

Le scorpion/1955

 

Exposition César/Centre Pompidou, jusqu’au 13 mars 2018.

 

 

Grégoire Colard 

Depuis le 16 octobre, et jusqu’au 14 janvier 2018, Le Centre Pompidou lance  une école ouverte à tous en offrant un MOOC d’art moderne et contemporain.

 

Un Mooc ( prononcer « mouc » ) , c’est un lien numérique qui offre des cours massifs et une formation à distance. Il est accessible à tous , comme celui que le Centre Pompidou propose gratuitement depuis quelques jours , pour une première session de trois mois. Ce projet qui a pour but de vulgariser l’art moderne et contemporain au plus grand nombre a été instauré par Jean-Max Colard,  responsable du Service de la Parole , de l’Ecole et du Mooc. Plus de 17.000 étudiants virtuels se sont déjà inscrits ! Il s’agit d’une pédagogie ouverte où les élèves peuvent visionner chez eux des vidéos d’experts, participer à des activités, échanger en direct avec des artistes et des professeurs,  et répondre à des quiz qui leur permettent en cas de réussite de recevoir sur leur écran un  badge, avec un diplôme d’attestation au bout de cinq.

Chacun peut aussi se rendre au Centre où des personnalités de l’art, que ce soit des plasticiens, des musiciens, des cinéastes, des photographes, des chercheurs et même des cuisiniers haut de gamme,   invitent les élèves à concevoir une oeuvre avec elles, à des conférences. Comme le fait l’immense et toujours époustouflante  plasticienne et photographe Sophie Calle ( actuellement aussi en exposition au Musée de la Chasse et la Nature , à Paris 3ème ), ou encore Vincent Ganivet, qui monte en direct et en équilibre instable une immense arche dans le hall de Pompidou grâce au soutien de dizaines d’élèves ou de personnes lambdas qui tiennent l’ensemble, les bras levés ! Très amusant ! C’est éphémère, mais cela rassemble un temps les énergies de tous. De l’art vivant !

 

Jean-Max Colard et Sophie Calle 

 

Les cours tournent autour de cinq gestes  qui illustrent la démarche de tout créateur  : reproduire, assembler, détruire, réduire et critiquer. Cette nouvelle école du Centre Pompidou se veut donc à la fois sérieuse , avec des cours clairs, précis et très accessibles dispatchés sur le site à travers cinq séquences de trois heures chacune,  que l’on peut suivre chez soi à son rythme, tranquillement, et ludique , avec donc des quiz à remporter , mais aussi en se rendant au Centre pour rencontrer nombre d’artistes et échanger avec eux, sinon même élaborer et finaliser un projet commun.

Pour vous inscrire, rendez-vous ici !

G.C.